以美育人——福田美术馆开馆邀请展

学术主持：邵大箴

策展人：   葛玉君

展览执行：张闯 谢蕾

展览时间：2020年9月22日——10月10日

展览地点：福田美术馆（福田区梅东二路原雅昌艺术馆）

参展艺术家（按年龄排序）

戴泽 杜大恺 何多苓 刘巨德 邱振中 唐勇力 许钦松 丁一林 何家英 韩敬伟 马路 胡建成 陈辉 井士剑 金日龙 冯斌 卢禹舜 庞茂琨 王颖生 顾黎明 陈湘波 文中言

指导单位：中共深圳市委宣传部 深圳市文学艺术界联合会

主办单位：中共福田区委员会 福田区人民政府

承办单位：中共福田区宣传部 福田区公共文化体育发展中心

执行单位：福田美术馆 宝甄艺术

协办单位：天津恒峰美术馆 成都D空间

参展艺术家 | 陈辉

清华大学美术学院教授，博士生导师，教育部人文社会科学基金评审专家，国家艺术基金评审专家，中国博士后基金评审专家委员会专家；清华大学教学顾问，清华大学名誉学衔校级评审专家，美术学院学术委员会副主任, 吴冠中艺术研究中心副主任，张仃艺术研究中心研究员；中国美术家协会理事，中国画学会理事，北京市高等艺术教育协会理事，全国教育书画协会高等美术教育书画学会理事，中国美术家协会中国画艺委会委员,北京市美术家协会中国画艺委会副主任，第11届至13届全国美展评委。

陈辉：悟法其用 珍视特色

（以下为节选）

笔墨在国画的写生中被视为界定作品标准的重要因素。好的笔墨是对艺术作品赏心悦目、回味无穷的解读，好的笔墨是造型与形式浑然一体的气韵表达，好的笔墨更是形神兼备、意境幽远的和谐之音。笔墨的好坏是依表现物象生动的造型来构成它的存在意义，依塑造形态结构的生动灵性来显现它的价值。造型决定笔墨的走势，笔墨是造型的重要技术支撑，离开了表现具体物象的笔墨造型，笔墨没有价值。

中国文化  200×160cm 纸本水墨  2012年

笔墨得法与造型生动

笔墨是艺术与技术的综合体，笔墨是长期的积累养育和激发出来的。艺术家的格调与境界决定着画品，画品的高低是笔墨所表现物象所营造的意境，意境的绝妙在于心灵的感应对笔墨的驾驭。艺离不开技，技则为艺服务，艺术家技术素质的高低直接关系到艺术作品的经典程度，从构图到用笔、从造型到设色、从结构到虚实、从对比到统一，无不凝聚着艺术与技术完美结合的光芒。笔墨与形态、笔墨与整体、笔墨与意境是不可分割的魔方，任其怎样变幻，图形格局仍旧统一完整。

观察生活，到大自然中去，我们会获得无穷的灵感与笔墨源泉，“搜尽奇峰打草稿，师古人不如师造化”，是说要到大自然中去体验生活。笔依形而设，墨因势而施，从生活和自然中找到笔墨的不同用途和法则。其次必须熟悉传统，在传统的夹缝中找到笔墨与造型可结合的新视点，绝处逢生。比如中国画的散点透视，非常具有现代感，它摆脱了西方焦点成像的局限，更注重心性和主观的表达，中国画里的意象之胸中丘壑，具有着当代艺术语言的精神属性。

老村遗韵  200×160cm 纸本水墨 2020年

比例分割与经营位置

比例分割是一种数据差的比例之美。早在古希腊时期就已将数据、比例视为造型美之要素，在构图中有黄金分割的布局被称之为好构图、美之图。掌握构图中物象间的比例关系，对画面进行比例量感的分割，对形态面积的比例差作合理分配，控制好构成画面量感差异的对比关系，调整好物象间的节奏美感，就易经营好画面的总体布局。

经营位置和构图是中西方艺术在画面布局和构成的不同称谓，属同一范畴内容。尽管中西方绘画艺术在传承的价值观与表现形式有所不同，但在构图上仍然存在着相互影响和取长借鉴的类似形式。我们可以从法国印象派及后期印象派到现代主义这些时期的绘画看到，画面的形态多倾向于平面化，构图多倾向于主观化；而近现代及当代的中国画在经营位置上也出现了对焦点成像的选择和对空间及色彩的应用。

解析比例分割和经营位置的意义在于教给学生以二维的几何视角去概括和归纳自然景物的繁复性，对形态各异、变化多样的物象作比例分块和量感的调配，每一形态要合适地安排在所属的板块内，形成有序的排列，如此，画面的大格局就能确定下来。再根据画面的需要，确立虚实与强弱、主次与藏露的节奏关系。同时，要把造型艺术元素中的点、线、面的构成形式与自然形态作分析组合，使经营位置合理有序，韵美有秩。

卢沟桥至岁月 200×145cm 纸本水墨 中国美术馆收藏

知白守黑与动静相生

在素白的宣纸上将眼前的景物合理恰当地布局于此，是要有预先构思的。这一预先构思的设计就是我们常说的知白守黑。画面中布多少黑、空多少白要依附于物象体量大小和明暗变化，依附于自然景观给我们的直觉和印象。它们的关系可以互相转换，互为主次，互为虚实。当画面黑的比重增大时，画面会呈现或凝重浑厚、或庄严雄健的感觉；当画面白的比重增大时，画面会呈现或空灵高洁或清风野逸的感觉，当画面灰的比重增大时，画面会呈现或朦胧飘渺或含蓄润滋的感觉，当画面的黑白面积接近等量时，画面则会呈现或明朗了然或响亮对峙的感觉。由此可以看出，黑白布局对画面整体气氛的影响是至关重要的，它所带来的视觉心理变化是明显的，这些心理变化又直接关系到我们在写生时如何选择适当的黑白量差来作组合和构成，当观景观物获得的印象与适合的黑白对比关系契合时，最初的画面调式和情境表现就基本形成了。

老院子的光线 69×69cm  纸本水墨 2016年 中国美术馆收藏

动静相生是画面艺术气息不可缺少的对比关系。许多画意深远的作品都离不开这种艺术处理手法。画面中的动静关系除自然现象给我们的感知外，还有的就是心理感应下所产生的一种抽象意识。我们对自然现象所形成的视觉感知一目了然，容易识辨。但对抽象意识的动静关系的识别和理解就不那么容易了，这需要我们从艺术构成的审美角度来认识它。比如：当画面中的物象构成形成了点和线的感觉时，这类物象呈动态特征；当画面中的物象构成形成了面的感觉时，则呈静态特征。黑色被视为静态与凝固，白色被视为动态与活跃。鲜艳色呈动态与活泼之感，灰暗色呈静态与平稳之感；软柔之形会有动态与漂浮的属性。坚硬之形会有静态与肯定的属性。虚象为动态，实象为静态等等....... 所有这些抽象艺术元素都有着它特定的作用。运用好这些抽象的动静规律，就可以控制好画面的整体节奏和动静相生的艺术气象。

大山脚下有人家  160×200cm  纸本水墨  2019年

形式多元与开拓创新

艺术存在的价值和意义在于各具特色，保持彼此间的差异，与其它艺术风格拉开距离，突显其独特的艺术语言，创立独特的相貌特征。这样就可以走的长，走的远…… 齐白石说“学我者生，似我者死”，吴冠中先生讲“大树底下长不成大树”，张仃先生谈“一种艺术开始模仿另一种艺术时它就开始没落了”的观点，都是在告诫我们这样一个道理：学习艺术一定要另辟蹊径，善于开拓，勇于探索，不拘陈法，积极创新，不能与前辈大师雷同，或抄袭模仿前人。通过研究学习和比较积累，逐渐树立起独特的个人风貌，形成明晰的、具有识别性的艺术语言。尽管这样的艺术探索非常艰难，这类的艺术探险可能会半路夭折，如此的选择或许会被冷落，但艺术家和学者应具有的一种艺术理想和求知精神在支撑着他们做出的选择，一种向未知挑战的信念和向终极目标探索的意志在向他们召唤，求索的冲动浇不死……

中国文化  365×145cm  纸本水墨

开拓创新是建立在对传统的吸收、消化、推陈、发展的创新。  传统是动态的、发展的、更新的。从每个历史时期的发展脉络和艺术格局来看也足以说明这一点。传统是边统边传，继承传统的最好方式就是对传统的发展，突破传统的已有格式重在实验和创新。实验是艺术原创性的基础，实验孕育着艺术新生命的胚胎，实验带来了艺术可能出现的创新和闪光，实验的目的是总结前人的艺术风格，吸纳消化，取精求异，并与其拉开艺术风格的差异，寻找独特个性的艺术定位。

宫廷时光  200×160cm 纸本水墨

张晓凌：流光徘徊——读陈辉水墨近作

20世纪中国画发展无法回避的历史情境永远是中西文化的碰撞与交流。从高剑父、高奇峰“岭南画派”的折衷中西开始，到徐悲鸿、林风眠各不相同的中西融合，中国画伴随着西学观念与图式的不断“侵入”而获得发展。这种趋势，直至今日仍然是中国画谋求突破的重要途径与方式之一。读陈辉的水墨近作，其感亦然：在流动着的光影水墨之中，徘徊着的是一种不同于传统的“传统”—它的图式美感与传统中国画有所区别，显现出西画的某些特质，但同时它又没有丧失中国画雅淡至美的意象空间。细细辨之，陈辉对中国画独特的感受与表达，是紧承林风眠、吴冠中“中西融合”的脉络发展而来的。

静水深流  96×185cm 纸本水墨  “水墨本色”中国画名家邀请展参展作品

此派“融合”之路不同于徐悲鸿一路—以古典的写实造型为目标，而是将西方绘画中现代性的语言形式融合于中国画注重意趣的笔墨方式之中。相对而言，此类的“中西融合”在画面整体效果上，更能体现中国画的本体特征，也更能有效地在中国画自身美感的表达中创造出现代人的视觉感受来。陈辉的画亦然，他将西画光影语言交融于传统笔墨之中所呈现出的异样的诗意之美，颇令今日画坛瞩目。

陈辉是一个勤奋而颇具写实功底的画家。从写实油画到抽象油画，再到意象水墨，他探索的足迹扎实而稳重。面对他数量惊人的画作，我仿佛看见：画家在每一个偶然的效果之中，苦苦探寻着他所心仪的那个最终的视觉方式—这是漫长而艰辛的历程。应该说，其近期水墨系列作品便是这一探索历程中具有突破性进展的成果—在流光徘徊的水墨之中，显现出一种有别于前人、也有别于今人的诗意之境。称之为诗意，是因为他的画向我们展现了一种全新而别样的独特性—某种历史莫名的伤感与现代时尚的轻松，在充溢着西画光影律动的传统水墨中，蓦然向观者传递出一分敏感的情绪，以及如诗一般的非现实的意象空间。我时常为这种情绪所打动，并为之沉醉许久。我相信，打动与沉醉是因为“诗意”之中那浓浓的文化上的厚实与细腻。也正因为这种厚实与细腻的表述，陈辉在绘画的表现对象上获得了某种轻松与自由—无论东方典雅的窗棂屏隔，还是西方华美的教堂立柱，都为其某种情绪的表述所笼罩，并最终获得语言方式上的统一。

山川异月  200×160cm  纸本水墨  2020年

陈辉走到水墨这个样式，应该说在中国画坛是比较独特的，很少有人用这样的方式画水墨，他的着眼点在于西画光影效果与水墨律动的相互结合之上。他的画面追求在墨色浓淡的流动中自然显现某种视觉上亦真亦幻的光感。这个空间随着光的流动、徘徊与反射，唤醒了某种历史的记忆，引领着我们的思绪在不同的文化元素中游动。因而从根本上讲，陈辉虽然醉心于光感空间的形式探索，但根本意义却在于他以光感的方式让我们重新领悟了历史，从而激起了一种文化的自省意识。

陈辉艺术空间是有深度的，他的作品通过光、通过结构、通过造型，把空间拉开了。这个空间有一点西方画的空间，但是他的色彩观，他的造型观又是非常东方的，调和了诸多的元素，没有一定理论知识的人，或者没有一定技术理想化的艺术家，是做不到的。陈辉的画带有强烈的研究性和学术性。通过学术积累，渐次产生了今天的水墨画。这样一个品种，放在中国当代水墨艺术里面，绝对就这么一件，到目前为止，还没有人敢这么画过，这个实验他经过了好几年的探索，达到这个成果，我觉得很不容易，而且我觉得他里面的发展空间还很大。

陈辉独特性的画面在今日中国画的革新中似乎显得更具价值。这种画面的美感有时或许仅仅就是某一瞬间的感受，它很难用语言加以清晰的表述。我们所能尽力的，只是去描述它给我们心灵所带来的情绪上的震动，以及莫名的情绪—也正因为莫名，才足以让我们慢慢地去体会与回味。

东交民巷之老教堂 160×200cm  纸本水墨  2019年

唐家路：和实生物 同则不继

回顾近百年来中国现代绘画的发展历程，艺术家在探索如何继承传统与创新问题上作了种种尝试，直到今天，这仍然是困扰大家的焦点。尤其是水墨画的创新一直是美术界的热门话题，但是如何创新确是一个见仁见智的问题。

绘画的创新取决于创作理念和艺术风格变化及技法的探索，为了实现这一目标，许多画家倾向于对创作技巧的煞费苦心，或是局部改良，或是强调制作，或是嫁接西方的绘画技巧等，但最终效果往往不尽人意。事实证明，艺术家只有注重自身的文化修养和积淀，创新才不致于成为无本之木、无源之水。

清华大学美术学院陈辉教授的水墨作品流露出一种不同于传统的“传统”。他将西方绘画中对光影的表现与中国的水墨韵味巧妙地结合，其作品既显现出西方绘画的某些特质，又与传统中国画有机地融为一体，保留了传统中国画的淡雅恬静的空灵意象，可谓大气之作。

圣境  365×145cm  纸本水墨 2017年

应该说陈辉为中国画的意境和西方绘画技法的融合找到了一个属于自己的契合点，这个契合点是将西方绘画中现代性的语言形式融合于中国画注重意境的笔墨方式之中。他的作品在题材上多选择中国江南水乡、传统民居和中式陈设等自然与人文统一的景象，即便是在境外的一些写生作品中，在他笔下依然流露出中国传统山水画悠远空灵的意境和小桥流水般悠然的情调。但是陈辉在画面的构成和笔墨的处理上，却不同于传统中国画的程式化语境，而走的是中西融合的路子。他的绘画构图是平面的，然而层次确是异常丰富，他并没有采取西方古典绘画三维立体的塑造方法，而是通过对黑白块面的分割、隔离以及物象的掩映，墨色浓淡的交织，使画面呈现出多重的空间意韵，并力求在平面的二维空间构成中表现丰富的层次和清幽的意境。从画面整体效果来看，他有效地在中国画自身美感的表达中创造出适合现代人的视觉感受，同时将西方绘画的光影表现和三维空间交融于中国传统笔墨当中，呈现出异样的艺术美感。

六甲镇之晨  200×160cm  纸本水墨  2017年

陈辉的作品并不仅仅局限于对意境和空间的营造，还向我们传达了对历史的回味和轻松的现代寓意，在充溢着西方绘画光影律动的传统水墨中，传达出来的是传统文化的厚重感、细腻的情感以及如诗一般的梦幻意境。也正是因为这种厚重与细腻共存的表达，使绘画的表现对象――无论东方典雅的窗棂隔扇，还是西方华美的教堂立柱，都为某种情绪的表达所笼罩，并最终获得语言方式的统一。